TELEVISION/VIDEO/ARTE

Eugeni Bonet en su ensayo Alter-video deja clara la diferencia que existe entre el video y la televisión, por más que se encuentre una relación entre los dos medios en cuestiones técnicas.  Se podría decir que el video, quizás no es un arte pero es el medio de soporte para el desarrollo de un producto u obra artística.

Define a la televisión a partir de cómo se establece y permanece reducida a un medio de transmisión gracias al video-tape-recorder, comprendida también solo como un medio de enriquecimiento económico.

Videosfera clasificación por René Berger. 

Nos habla de René Berger y muestra un cuadro con la videosfera una  clasificación que éste hace pretendiendo “replantear” los aspectos de la televisión y su relación con el video.  

Algo que Bonet dice en el libro y me parece importante es el apoyo que tuvo la experimentación en video en 1967 por parte de la fundación Rockefeller creando laboratorios en San Francisco y Boston principalmente, y luego en Nueva York.

Bonet, en repetidas ocasiones, nos recuerda al maravilloso Portapack, que con su lanzamiento en 1968 a cargo de Sony, se convierte en la herramienta ideal para jugar el papel alternativo que en ese entonces era tan deseado, logradeo.  

Algo que Bonet dice en el libro y me parece importante es el apoyo que tuvo la experimentación en video en 1967 por parte de la fundación Rockefeller creando laboratorios en San Francisco y Boston principalmente, y luego en Nueva York.

Cuando llega el momento de analizar la historia del video-art, nos menciona una serie de artistas estadounidenses productores en el auge del pop art entre ellos Richard Hamilton, Wolf Vostell y Nam June Paik . En el año de 1969 se da la primera exposición colectiva de piezas de video-art en la Howard Wise Gallery en NY.

Sin embargo antes de la comercialización del portapack Nam June Paik crea la primera pieza de video de un artista considerada como autónoma y subjetiva con el uso de la tecnología portátil, a mi perecer y creo también desde la opinión de Bonet, Paik es el más importante “videoasta” en esta transición del video a ser considerada pieza artística ya que fue el primero en introducir a las galerías el video, gracias a sus trabajos de video-instalación, video-performance, video-esculturas, video-objetos, etc.

Por otra parte esta Bruce Nauman y sus video-tapes en los que registra acciones “muy simples y monótonas, basadas casi siempre en movimientos corporales o expresiones faciales”, por piezas como las de Nauman y las de Warhol las cuales escapaban a las reglas lograron que se le ligara (erróneamente) al video-art a una connotación de “aburrido”. Desmintiendo esta connotación impuesta al video-art viene una investigación siempre a la par, esta investigación tecnológica  logra el nacimiento de los videosintetizadores, uno es el Paik/Abe Video-Synthesizer.

Eric Siegel mencionado en el ensayo un par de ocasiones por el autor se podría considerar como una pieza importante en el rompecabezas del video-experimental pues a partir de sus inventos es que se logra llegar a otro plano esta práctica artística algunos de los inventos mencionado son el (1968) Processing Chrominance Synthesizer y el Electronic Video Synthesizer  de 1970 fundamentales en la creación de piezas abstractas, además años antes en 1960 crea, como estudiante, un sistema televisivo en circuito cerrado, y en 1961 logra la colorización  a través de su sistema nombrado Color Through Black-and-White TV.

Un problema dado en éste tema es la distribución de los videocassette, formato con el que se manejaba el video, por lo que debieron idearse métodos de distribución y venta, sin perder e sentido independiente que se pretendía tener.

Un aparato elemental en todo movimiento artístico es el crítico de arte o curador especialista en los temas, medios, soportes y herramientas de las cuales se trata, así entonces gracias a éste texto de Eugeni Bonet (en el que se aprende desde historia hasta nuevos términos)  que ahora se que David Ross es nombrado video curador.  A mi parecer esto es un indicio de que, para ese entonces, se estaba logrando la meta, así como la introducción del video-art en ferias de arte y galerías, las muestras en museos y centros culturales, la creación de salas de investigación, y la enseñanza y difusión de éstas prácticas a través de seminarios.

Desde una opinión muy personal, creo que este texto es para nuestra época solo un documento de referencia histórica y de información artística, pues la tecnología a avanzado tan rápido y lo seguirá haciendo exponencialmente, que finalmente aunque los términos usados insisto ya solo son de gran importancia por su carácter de origen del video actualmente la mayoría de los problemas que aquí se plantean están resueltos y hay una mayor posibilidad para crear piezas con un lenguaje y un carácter totalmente artístico. Aun así creo que en paralelo el tema de la televisión sigue siendo muy similar al tratado en el texto, por lo que me deja un análisis reflexivo de este proceso que ha llevado entre 50 y 60 años en el que dos medios el video y la televisión se han establecido objetivos tan diferentes, y han logrado a su vez un estancamiento o un desarrollo cada uno independientemente (positivo o negativo) para los públicos diversos.

Reflexiones.

THE PASSING, 1991.

Bill Viola nace en el mismo año que Gary Hill (1951) pero en la costa opuesta en Nueva York, Estados Unidos. Su producción artística esta basada en el uso de medios tecnológicos, electrónicos, de sonido y de imagen. Estos trabajos se fundamentan y desarrollan a partir de las ideas de la muerte, el nacimiento y otras experiencias de la vida humana.

The Passing es un trabajo que hace en el año de 1991, en éste crea una cronología del paso de la vida (nacimiento) a la muerte.

En ocasiones utiliza la yuxtaposición de sonidos no relacionados a imágenes fijas o en movimiento para crear un ambiente diferente y dar una percepción del momento más profunda y viva. 

Utiliza varias analogías para crear una reflexión sobre los momentos que busca enlazar por la relación que guardan entre la vida y su fin. 

Me llamó la atención como usa las tomas lentas y en primerísimo plano, pues cambian totalmente el objeto o el personaje sobre el que están echas, pues al extraerme de la realidad hace que lo vea de otro modo más cercano o todo lo contrario mucho más lejano y atemporal. 

Aunque muy pocas son las tomas en primera persona, algunas que no lo son, dan la sensación de que así lo fueran pues llega un momento en el que sientes que eres parte del tiempo y espacio, de ése instante que esta pasando frente a tus ojos.
Al ver The passing comienzo a reflexionar sobre Bill Viola y pienso que es un trabajo autobiográfico.

Concepto, idea, solución y titulo de la obra:

Después de ver las entrevistas a Marcel Duchamp creo que éstas son palabras que tienen un punto y a parte después del surgimiento del Dadaísmo. Para mi éstas cuestiones van de la mano,  tienen un conexión que una sin la otra están vacías, aunque también ceo hay una jerarquización de éstas, desde mi punto de vista la idea se convierte en concepto, a partir de esto, se obtiene el titulo de la obra, además creo que el título por más que en ocasiones concentre la idea, no debe ser siempre lo más importante, ya que si la solución te permite tener una obra que refleje completamente el concepto ya no es necesario tener un titulo el cuádl debamos analizar para extraer la idea. Tal vez lo más importante será la solución, pues sin tener la solución a una idea, será difícil tener una obra bien redondeada sin aristas o fugas en donde la idea no establezca una relación clara con la pieza.

Gary Hill

Gary Hill (http://www.garyhill.com) nació en 1951 en California, Estados Unidos. Es uno de los principales video-artistas en la historia del video arte por su trabajo en las décadas de los 70’s y 80´s de.

Su trabajo se basa en videos con la integración de audio y texto, e instalaciones en sonido con el uso de la tecnología en relación al lenguaje y su el performance. Explora una gran variedad de temas que van desde el aspecto físico de la lengua, la sinestesia y enigmas perceptivos al espacio ontológico y el espectador.

Entre los primeros videos de Gary Hill además de Mediations, encontré Electronic Linguistic video en blanco y negro con una duración de 3 min con 45 segundos en donde los sonidos electrónicos establecen una relación con las imágenes según aumentan su frecuencia de aparición y su presencia en la pantalla. http://vimeo.com/5499417

Equal Time

Otro fue Equal Time  en éste, veo una experimentación con la sincronización de la imagen y el sonido, con dos voces que al ir avanzando logran establecer un empate para después ir desintegrando esta sincronización conforme a la separación de la imagen. http://vimeo.com/5500318

Imagen de Windows

Videograms

Dos que me gustaron mucho fueron Videograms por el uso de las figuras electrónicas abstractas y por las sensaciones de asombro y emoción que me produjeron al estar relacionadas con el audio  sin ser exactamente lo que se va diciendo, http://vimeo.com/5496107  y el otro Windows por los colores, texturas, ritmos sin sonido y movimientos que tienen las imágenes. 

  http://vimeo.com/21107676 

Minimalismo, POP ART y Andy Warhol.

POP ART

El Pop Art surge en Inglaterra en los años 50´s  pero en Estados Unidos es en donde toma fuerza y se convierte en uno de los dos movimientos más importantes de los años 60´s pues se considera la primera tendencia norteamericana  autónoma de ése país.

El sujeto del pop art es el ambiente urbano en sus cualidades cotidianas y en el uso y consumo de objetos populares. El objeto de consumo (bien fabricado y deslumbrante) es el objeto analizado por los artistas pop viéndolo en su total frialdad y con desapego.

Como éste objeto es usado sin tener que estar involucrado con él y así también su análisis es hecho en total desapego, se dice que la obra de arte también se convierte en objeto de uso. El artista se puede apropiar de cualquier acontecimiento y personalizarlos en su obra. También se ve la inclusión de objetos y productos reales dentro de las obras reduciendo así los aspectos humanos del paisaje de la vida cotidiana.

La técnica de reproducción en serigrafía a gran formato se acerca a la idea de la reproducción en masa. La figura abstraída de su contexto se convierte en un icono intemporal y sin calidad en dónde solo existe la imagen que crea el mito y al mismo tiempo el mito crea la imagen, lo que hay de tras de todo eso es secundario para le artista y el espectador.

Andy Warhol es conocido por ser el exponente más importante del Pop art. Warhol no solo adopta técnicas de producción industrial en las imágenes para las masas de los objetos de consumo, sino que inventa The Factory en dónde produce sus obras y hace películas en las que los actores son personas del medio underground. En sus trabajos cinematográficos experimentales vemos mucho la improvisación y los Screen tests. Innova en el uso de tomas en cámara fija, no sigue las reglas convencionales ya que el mismo interfiere en las tomas sin importarle que después al ver la película se sepa de su presencia o del entorno externo al suceso. En sus películas se encuentra una intención de materializar al sujeto a partir de la ridiculización y de reflejar el rompimiento de la vida pública y privada. Encontramos como las mas importantes a Chelsea Girls, Lone Some Cowboys, Bike boy, Sleep y Flesh.

En el siguiente link se puede encontrar la mayoría de su filmografía: http://www.warholstars.org/filmch/filmchro.html

Algunas de las principales obras pictóricas de Andy Warhol son:

Sopa Campbell, 1962.

Mao, 1973.

Marilyn en naranja tornasolado, 1964.

Triple Elvis, 1963.

MINIMALISMO

El Minimalismo surge en 1963 y su periodo de mayor fuerza se da en los años setenta en Nueva York y la costa Este de Estados Unidos, los principales artistas son Carl Andre, Donald Judd, Robert Morris, Richard Serra, Dan Flavin, Bruce Nauma, Sol LeWitt entre otros. Tiene como elementos principales la no complacencia estética. Se le considera como el contrapunto al pop art frente a los cuadros rebosantes de color, y los objetos cotidianos elevados a la categoría de arte, proponiendo las formas <<mínimas>> constituidas por elementos mínimos sin los cuales nos ería posible la forma, hace una toma de conciencia de las formas y colores elementales como la percepción de una forma pura. es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). El término «minimal» fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los «Ready-made» de Marcel Duchamp. 

Algunas de las obras representativas de este movimiento son la siguientes: 

Sol LeWitt. Serial project n.1. 1966.

Donald Judd.

Shellfish Ogre. Robert Morris.

 

Monuments to V. Tatlin. 1964. Dan Flavin